Sin Objeto

Reseña Feminismo y arte latinoamericano. Historias de artistas que emanciparon el cuerpo

2020-04-24T18:44:25+02:00

Resumen

La historiadora del arte, investigadora y curadora Andrea Giunta publica su volumen Feminismo y arte latinoamericano. Historias de artistas que emanciparon el cuerpo como una forma de recoger, reconocer y revisar, desde las luchas feministas del presente, las historias y obras de diversas artistas latinoamericanas que en los años 70 y 80 repensaron una manera de definir y resituar sus cuerpos (como artistas, como mujeres). Eso sí, con el afán, no de limitarse a la catalogación histórica, sino de contribuir a las múltiples prácticas transformativas que se llevan haciendo desde las últimas décadas en Argentina y otras latitudes.

Abstract

The art historian, researcher and curator Andrea Giunta has published her last volume Feminism and Latin American Art. Stories of artists who emancipated the body. The aim of the book is to collect, recognize and rewrite, from feminist struggles of the present, the stories and works of the Latin American artists who, in the 70s and 80s, thought a way to redefine their bodies (as artists, as women). With the purpose, not only of writing a historical catalogue, but also of contributing to the multiple transformative practices that have been taking place during the last decades in Argentina and other nearby latitudes.

Juan Albarrán. Performance y arte contemporáneo: Discursos, prácticas, problemas.

2020-04-25T16:45:04+02:00

Esta reseña presenta una aproximación al volumen publicado por Juan Albarrán en la editorial Cátedra (2019), Performance y arte contemporáneo. Discursos, prácticas y problemas. El libro presenta una aproximación temática a la historia del arte de performance a partir de algunas de las escenas que han marcado la actualidad de la performance desde el giro corporal de los años '60 hasta nuestra contemporaneidad.

Cuando el registro es la acción: la importancia del proceso fotográfico-químico. Tres casos de estudio

2020-04-24T18:41:19+02:00

La fotografía, usada desde sus inicios como infalible perito de lo real, también ha sido utilizada en el ámbito artístico como huella perdurable de acciones efímeras, documentos del devenir artístico de las últimas décadas. Sin embargo, la expansión de la tecnología digital ha generado una producción masiva de imágenes de todo tipo y, con ello, una fiebre por la documentación, hasta de los hechos más insignificantes. Un aspecto colateral a la llamada revolución digital es la nueva consideración de los procesos fotoquímicos; estos no han desaparecido por la llegada de la imagen digital, por mucho que esta circunstancia fuera vaticinada una y otra vez, pero sí han quedado relegados al uso de profesionales y especialistas de algunos ámbitos, entre ellos los del arte contemporáneo. En este caso se va a poner de relieve no solo el uso de fotografía química por parte de algunos artistas actuales, sino la importancia del proceso mismo en la construcción de la imagen. Solo en el ámbito español hay numerosos creadores que trabajan en la actualidad con material fotoquímico de algún tipo, normalmente sin renunciar a utilizar también tecnología digital, pero nos centraremos en tres casos concretos: Alberto García-Alix, Juan del Junco y Martí Llorens

Conversación con Eugènia Balcells: performance, video-partituras y la mujer pez.

2020-04-24T18:42:30+02:00

Esta entrevista a la artista Eugènia balcells ( Barcelona, 1943) la realicé en el año 2011 y fue un encargo para un libro colectivo que coordinaban Mª Josep Balsach y Imma Prieto que no llegó a ver la luz. Por tanto, quedó inédita después de haber sido revisada por la artista. Para la publicación actual, he modificado el tiempo de los verbos que estaban en presente y he añadido algunas notas aclaratorias y otras que refieren a la web de la artista donde pueden visionarse las obras de las que habla.

Creo que la entrevista continúa teniendo interés hoy en día porque aporta datos nuevos para el estudio de diversas obras de Eugènia Balcells. En estos úlimos dos años ha habido un cierto interés por sus partituras visuales y video-partituras, por parte de algunas galerías españolas. La información que nos ofrece esta entrevista también puede contribuir para cualquier investigación que pretendiera hacer un estudio a fondo de la historia de la performance en nuestro país

Feminicidio en Ciudad Universitaria, un libro itinerante

2020-04-24T18:47:18+02:00

¿Cómo podríamos pensar la práctica artística investigativa dentro del contexto social y político? Eyal Weizman, fundador y director del colectivo multidisciplinario Forensic Architecture, al pensar acerca de estos temas propuso una opción metodológica interdisciplinaria para aproximarnos a estas intersecciones: la <<estética investigativa o estética forense>>; la cual define como “una práctica contrahegemónica capaz de invertir la relación entre individuos y Estados, para desafiar y resistir la violencia estatal y corporativa y la tiranía de su verdad.” Ésta ha sido la principal premisa y el interés que ha encaminado la conceptualización y producción de esta propuesta creativa.

Feminicidio en Ciudad Universitaria, un libro itinerante es un proyecto artístico estético-investigativo que ha tenido como finalidad construir una “verdad(es)” más compleja, es decir, un intento de certidumbre o precisión sobre lo ocurrido considerando la mayor cantidad de aristas posibles sobre un estudio de caso: el feminicidio de Lesvy Berlín Rivera Osorio ocurrido el 3 de mayo de 2017 en Ciudad Universitaria, UNAM, México. Para logarlo, se generaron dos archivos: uno oficial y otro contra-oficial, este último compuesto por testimonios de la madre de la víctima, abogadas del caso y discursos provenientes de la sociedad civil. Investigación y producción artística que tuvo lugar durante seis meses, pero, sus resultados arrojan muchas de las dificultades y falencias presentes en los procesos legales en materia de violencia de género en México.

Los géneros del performance/The genders of performance

2020-04-24T18:33:25+02:00

Presentación editorial del número 02 de la revista Sin Objeto.

Escrito por Maria Laura Rosa y Julia Antivilo Peña

Gastar el cuerpo, disolver la máscara: la performance de Ura/Unz

2020-04-24T18:37:06+02:00

Este artículo recoge una aproximación crítica a la producción artística del grupo de performance URA/UNZ, compuesto por Lourdes Durán y Paloma Unzeta, activo en Madrid entre 1983 y 1985. A través del análisis de algunas de sus performances, pretendemos analizar cómo URA/UNZ hacen uso de una serie de herramientas, gestos y elementos, que obedecen a ciertos estereotipos femeninos socialmente construidos. Sin embargo, lo que aquí proponemos es que Durán y Unzeta no se limitan a la mera adopción de tales estereotipos, sino que los subvierten, colaborando así en la construcción y experimentación de otras subjetividades y otras concepciones del cuerpo de la mujer. De esta manera, si una primera lectura de sus piezas las alinea con el espíritu entusiasta y desinhibido que se vivió en la capital madrileña con la llegada de la democracia, un análisis más profundo de las mismas revela otras potencialidades disruptivas que alejan sus performances de la banalidad y la apoliticidad que tradicionalmente se han señalado como propias de las producciones artísticas de los años ochenta en el Estado español.

Itziar Okariz y Dora García: repetir repitiendo. Performance liberada, proceso permanente

2020-04-24T18:38:39+02:00

Una investigación artística a través del trabajo de Itziar Okariz y Dora García. El objetivo principal es visibilizar su proceso. Ambas artistas evitan el cierre de sentido que supone la representación e intentan abrir su proceso al devenir espacial, temporal y material de su contexto. Este movimiento de apertura es susceptible de convertirse en la repetición de una acción. Una hipótesis, entre otras, es que la repetición pone en relación el proceso y la performance en su trabajo. La metodología se basa en tantear preguntas que relacionen su proyecto, con la investigación artística situada en lo real, planteada por la dOCUMENTA(13). Este posicionamiento, dialoga con los nuevos retos que plantean las teorías y prácticas feministas a la hora de ofrecer una perspectiva más humilde y menos antropocéntrica para la práctica artística actual.

Del objeto escultórico como dinamizador de la narrativa en la performance feminista iberoamericana contemporánea.

2020-04-24T18:39:58+02:00

En este artículo, se propone una visión del objeto escultórico como activador de la narrativa en el ámbito de la performance feminista iberoamericana contemporánea. Para demostrar esto, se examinan obras de Ana Mendieta, Sylvia Palacios Whitman y Pilar Albarracín, entre otras. Convirtiendo la relación entre objeto y cuerpo femenino en marco crítico, sus obras reflejan cómo el movimiento multiplica el significado de los dispositivos escultóricos durante la performance, y viceversa. En primer lugar, se efectúa una aproximación al objeto como elemento clave en la configuración de identidades, con una fuerte carga simbólica y política. En segundo lugar, se aborda la importancia de la indumentaria entendida como escultura liminal, que permite al performer salir de los marcos preestablecidos por la sociedad. Finalmente, conectando estudios visuales, estudios de performance, tesis antropológicas y feministas con las obras de estas artistas, presento mi propia producción artística. En conclusión, mediante este recorrido se muestra cómo el objeto escultórico en acción marca el ritmo y el significado dentro del cual la performance se desarrolla.