Sin Objeto. Revista de Arte, Investigación, Políticas Departamento de Arte de la Facultad de BBAA de Cuenca.
Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Universidad de Castilla-La Mancha
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Juan Albarrán. Performance y arte contemporáneo: Discursos, prácticas, problemas.
Esta reseña presenta una aproximación al volumen publicado por Juan Albarrán en la editorial Cátedra (2019), Performance y arte contemporáneo. Discursos, prácticas y problemas. El libro presenta una aproximación temática a la historia del arte de performance a partir de algunas de las escenas que han marcado la actualidad de la performance desde el giro corporal de los años '60 hasta nuestra contemporaneidad.
Derechos de autor 2020 David Pérez Pérez http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Feminicidio en Ciudad Universitaria, un libro itinerante
¿Cómo podríamos pensar la práctica artística investigativa dentro del contexto social y político? Eyal Weizman, fundador y director del colectivo multidisciplinario Forensic Architecture, al pensar acerca de estos temas propuso una opción metodológica interdisciplinaria para aproximarnos a estas intersecciones: la <<estética investigativa o estética forense>>; la cual define como “una práctica contrahegemónica capaz de invertir la relación entre individuos y Estados, para desafiar y resistir la violencia estatal y corporativa y la tiranía de su verdad.” Ésta ha sido la principal premisa y el interés que ha encaminado la conceptualización y producción de esta propuesta creativa. Feminicidio en Ciudad Universitaria, un libro itinerante es un proyecto artístico estético-investigativo que ha tenido como finalidad construir una “verdad(es)” más compleja, es decir, un intento de certidumbre o precisión sobre lo ocurrido considerando la mayor cantidad de aristas posibles sobre un estudio de caso: el feminicidio de Lesvy Berlín Rivera Osorio ocurrido el 3 de mayo de 2017 en Ciudad Universitaria, UNAM, México. Para logarlo, se generaron dos archivos: uno oficial y otro contra-oficial, este último compuesto por testimonios de la madre de la víctima, abogadas del caso y discursos provenientes de la sociedad civil. Investigación y producción artística que tuvo lugar durante seis meses, pero, sus resultados arrojan muchas de las dificultades y falencias presentes en los procesos legales en materia de violencia de género en México.
Derechos de autor 2020 Carolina Belén Gonzalez http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Reseña Feminismo y arte latinoamericano. Historias de artistas que emanciparon el cuerpo
Resumen La historiadora del arte, investigadora y curadora Andrea Giunta publica su volumen Feminismo y arte latinoamericano. Historias de artistas que emanciparon el cuerpo como una forma de recoger, reconocer y revisar, desde las luchas feministas del presente, las historias y obras de diversas artistas latinoamericanas que en los años 70 y 80 repensaron una manera de definir y resituar sus cuerpos (como artistas, como mujeres). Eso sí, con el afán, no de limitarse a la catalogación histórica, sino de contribuir a las múltiples prácticas transformativas que se llevan haciendo desde las últimas décadas en Argentina y otras latitudes. Abstract The art historian, researcher and curator Andrea Giunta has published her last volume Feminism and Latin American Art. Stories of artists who emancipated the body. The aim of the book is to collect, recognize and rewrite, from feminist struggles of the present, the stories and works of the Latin American artists who, in the 70s and 80s, thought a way to redefine their bodies (as artists, as women). With the purpose, not only of writing a historical catalogue, but also of contributing to the multiple transformative practices that have been taking place during the last decades in Argentina and other nearby latitudes.
Derechos de autor 2020 Luis Cemillán Casis http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Conversación con Eugènia Balcells: performance, video-partituras y la mujer pez.
Esta entrevista a la artista Eugènia balcells ( Barcelona, 1943) la realicé en el año 2011 y fue un encargo para un libro colectivo que coordinaban Mª Josep Balsach y Imma Prieto que no llegó a ver la luz. Por tanto, quedó inédita después de haber sido revisada por la artista. Para la publicación actual, he modificado el tiempo de los verbos que estaban en presente y he añadido algunas notas aclaratorias y otras que refieren a la web de la artista donde pueden visionarse las obras de las que habla. Creo que la entrevista continúa teniendo interés hoy en día porque aporta datos nuevos para el estudio de diversas obras de Eugènia Balcells. En estos úlimos dos años ha habido un cierto interés por sus partituras visuales y video-partituras, por parte de algunas galerías españolas. La información que nos ofrece esta entrevista también puede contribuir para cualquier investigación que pretendiera hacer un estudio a fondo de la historia de la performance en nuestro país
Derechos de autor 2020 Assumpta Bassas Vila http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Cuando el registro es la acción: la importancia del proceso fotográfico-químico. Tres casos de estudio
La fotografía, usada desde sus inicios como infalible perito de lo real, también ha sido utilizada en el ámbito artístico como huella perdurable de acciones efímeras, documentos del devenir artístico de las últimas décadas. Sin embargo, la expansión de la tecnología digital ha generado una producción masiva de imágenes de todo tipo y, con ello, una fiebre por la documentación, hasta de los hechos más insignificantes. Un aspecto colateral a la llamada revolución digital es la nueva consideración de los procesos fotoquímicos; estos no han desaparecido por la llegada de la imagen digital, por mucho que esta circunstancia fuera vaticinada una y otra vez, pero sí han quedado relegados al uso de profesionales y especialistas de algunos ámbitos, entre ellos los del arte contemporáneo. En este caso se va a poner de relieve no solo el uso de fotografía química por parte de algunos artistas actuales, sino la importancia del proceso mismo en la construcción de la imagen. Solo en el ámbito español hay numerosos creadores que trabajan en la actualidad con material fotoquímico de algún tipo, normalmente sin renunciar a utilizar también tecnología digital, pero nos centraremos en tres casos concretos: Alberto García-Alix, Juan del Junco y Martí Llorens
Derechos de autor 2020 Juan Gil Segovia http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Del objeto escultórico como dinamizador de la narrativa en la performance feminista iberoamericana contemporánea.
En este artículo, se propone una visión del objeto escultórico como activador de la narrativa en el ámbito de la performance feminista iberoamericana contemporánea. Para demostrar esto, se examinan obras de Ana Mendieta, Sylvia Palacios Whitman y Pilar Albarracín, entre otras. Convirtiendo la relación entre objeto y cuerpo femenino en marco crítico, sus obras reflejan cómo el movimiento multiplica el significado de los dispositivos escultóricos durante la performance, y viceversa. En primer lugar, se efectúa una aproximación al objeto como elemento clave en la configuración de identidades, con una fuerte carga simbólica y política. En segundo lugar, se aborda la importancia de la indumentaria entendida como escultura liminal, que permite al performer salir de los marcos preestablecidos por la sociedad. Finalmente, conectando estudios visuales, estudios de performance, tesis antropológicas y feministas con las obras de estas artistas, presento mi propia producción artística. En conclusión, mediante este recorrido se muestra cómo el objeto escultórico en acción marca el ritmo y el significado dentro del cual la performance se desarrolla.
Derechos de autor 2020 Delia Boyano lópez de villalta http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Itziar Okariz y Dora García: repetir repitiendo. Performance liberada, proceso permanente
Una investigación artística a través del trabajo de Itziar Okariz y Dora García. El objetivo principal es visibilizar su proceso. Ambas artistas evitan el cierre de sentido que supone la representación e intentan abrir su proceso al devenir espacial, temporal y material de su contexto. Este movimiento de apertura es susceptible de convertirse en la repetición de una acción. Una hipótesis, entre otras, es que la repetición pone en relación el proceso y la performance en su trabajo. La metodología se basa en tantear preguntas que relacionen su proyecto, con la investigación artística situada en lo real, planteada por la dOCUMENTA(13). Este posicionamiento, dialoga con los nuevos retos que plantean las teorías y prácticas feministas a la hora de ofrecer una perspectiva más humilde y menos antropocéntrica para la práctica artística actual.
Derechos de autor 2020 Irantzu Sanzo San Martin http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Gastar el cuerpo, disolver la máscara: la performance de Ura/Unz
Este artículo recoge una aproximación crítica a la producción artística del grupo de performance URA/UNZ, compuesto por Lourdes Durán y Paloma Unzeta, activo en Madrid entre 1983 y 1985. A través del análisis de algunas de sus performances, pretendemos analizar cómo URA/UNZ hacen uso de una serie de herramientas, gestos y elementos, que obedecen a ciertos estereotipos femeninos socialmente construidos. Sin embargo, lo que aquí proponemos es que Durán y Unzeta no se limitan a la mera adopción de tales estereotipos, sino que los subvierten, colaborando así en la construcción y experimentación de otras subjetividades y otras concepciones del cuerpo de la mujer. De esta manera, si una primera lectura de sus piezas las alinea con el espíritu entusiasta y desinhibido que se vivió en la capital madrileña con la llegada de la democracia, un análisis más profundo de las mismas revela otras potencialidades disruptivas que alejan sus performances de la banalidad y la apoliticidad que tradicionalmente se han señalado como propias de las producciones artísticas de los años ochenta en el Estado español.
Derechos de autor 2020 Paula Noya de Blas, Lola Visglerio Gómez http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Los géneros del performance/The genders of performance
Presentación editorial del número 02 de la revista Sin Objeto. Escrito por Maria Laura Rosa y Julia Antivilo Peña
Derechos de autor 2020 María Laura Rosa http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Whitechapel-Experiment de Hélio Oiticica: exposição como campus de experiências
En este artículo, se investiga el proceso curatorial de la exposición retrospectiva del artista brasileño Hélio Oiticica realizada en 1969 en la Whitechapel Gallery, en Londres. Analizamos cómo la muestra, llamada de Whitechapel-Experiment por el artista, provocó una completa redefinición de los contornos y posibilidades del espacio institucional de la galería al ser concebida como un campus de experiencias para la vivencia libre del público. Nuestra investigación no se restringe al discurso curatorial o al protagonismo de un curador, pero se interesa por la "inteligencia curatorial" que implica negociaciones complejas y articula desde la idealización y viabilización de la muestra hasta las estrategias para la activación del espacio expositivo por el "participante" y más allá. A través de este estudio, buscamos reflexionar sobre los dilemas curatoriales que envuelven exposiciones de arte contemporáneo interesadas en ofrecer obras basadas en la participación sensorial del público. Neste artigo, investigaremos o processo curatorial da exposição retrospectiva do artista brasileiro Hélio Oiticica, realizada na Whitechapel Gallery, em 1969, em Londres. Analisaremos como a mostra, batizada de Whitechapel-Experiment pelo artista, provocou uma completa redefinição dos contornos e possibilidades do espaço institucional da galeria ao ser concebida como um campus de experiências para a vivência livre do público. Nossa pesquisa não se restringe ao discurso curatorial ou ao protagonismo de um curador, mas se interessa pela “inteligência curatorial” que envolve complexas negociações e articula desde a idealização e viabilização da mostra até as estratégias para ativação do espaço expositivo pelo “participador” e além. Através deste estudo, buscamos refletir sobre os dilemas curatoriais que envolvem exposições de arte contemporânea interessadas em oferecer obras baseadas na participação sensorial do público.
Derechos de autor 2018 Beatriz Morgado de Queiroz
Confluencias entre lo intangible, lo curatorial y lo artístico en las prácticas sin objeto contemporáneas
Este texto propone que los modos de hacer vinculados a lo intangible tuvieron un importante papel en la consolidación del comisariado contemporáneo y en el asentamiento de la figura del comisario-artista. Pueden encontrarse expresiones de ello en el giro performativo que en los últimos años ha experimentado la exhibición, el cual ha propiciado la aparición de propuestas como Una exposición coreografiada de Mathieu Copeland que aquí se toma como ejemplo ya que en ella pueden apreciarse numerosas conexiones entre lo intangible, lo curatorial y lo artístico. Tanto en esta muestra como en la publicación derivada de ella se identifican muchas de las reflexiones señaladas por Beti Žerovc en su extenso análisis a propósito del comisariado. Ambos libros, junto a lo apuntado por Boris Groys acerca de la autoría de las exposiciones y fragmentos extraídos de mi tesis doctoral, centrada en la búsqueda de la mínima expresión artística en las prácticas sin objeto y sin documentación, constituyen las principales referencias empleadas en la elaboración de este artículo.
Derechos de autor 2018 Javier Rodríguez Casado
Presentación/Editorial Comisariar lo inmaterial
Este número de Sin Objeto pretende dar continuidad a la temática iniciada en el número inaugural. Si en aquella ocasión se analizaba el coleccionismo de prácticas efímeras o desmaterializadas, parece lógico complementar esta cuestión con un número que abordara de forma monográfica las problemáticas que atañen al comisariado de las mismas. Si bien las exposiciones centradas en piezas objetuales y documentación siguen siendo la forma predominante de presentación pública de obras y proyectos, la pluralidad y diversidad de las prácticas artísticas en el mundo contemporáneo ha obligado a reconsiderar qué puede ser una exposición o qué puede hacer un comisarix.
Derechos de autor 2018 Olga Fernández López
Utopías Fallidas Entrevista a Luis Camnitzer
Luis Camnitzer (Lübeck, Alemania. 1937) es uno de los artistas referenciales en el arte conceptual latinoamericano. Desde 1965 trabaja principalmente con el lenguaje valiéndose de diferentes medios para la materialización de sus ideas. En esta conversación con la curadora y docente Leyla Dunia reflexiona sobre la desmaterialización del objeto y la práctica educativa, en el marco de su reciente exposición en el Museo Centro de Arte Reina Sofía.
Derechos de autor 2018 Leyla Ana Josefina Dunia Parra
¿Podríamos pensar que, una vez desaparecidas las imágenes, estas pudieran ser devueltas a la superficie, reflotadas, reconstruidas a través del recuerdo? Para bien o para mal, éste, actúa como maleable goma de mascar de cambiante forma, variando según quien lo interprete. A principios del SXX el edificio situado en Calle Arenal nº11, entonces conocido como Teatro Eslava, sufrió un aparatoso incendio quedándose únicamente dañada su cúpula. Quisieran estas páginas proponer una posible reconstrucción de los frescos destruidos, escapando de la mera documentación historiográfica. Quizás más bien, miren al documento como punto de partida para crear una serie de cambiantes escenas. Entonces, ¿existiría la posibilidad de redibujar unos frescos desaparecidos —de los que únicamente se conserva una imagen— a partir de los dibujos y bocetos de las obras de teatro que el Teatro Eslava interpretó poco antes del incendio? Los dibujos intuidos en el fondo de estas páginas sirvieron para redibujar recuerdos sobre agua. El resultado fue una película: Estrella.
Derechos de autor 2018 Leonor Serrano Rivas
Paul B. Preciado afirma en Pornotopía que "Las diferentes casas de Playboy, en su más pura tradición utópica, como la platónica Atlantis o las islas de Tomás Moro, se asientan sobre fundaciones acuosas", ejemplificando cómo el ser humano ha recurrido históricamente a espacios inestables e aislados como refugio para el deseo y la imaginación. Una isla desierta en algún rincón de la Polinesia es el enclave creado por Adolfo Bioy Casares para su novela La invención de Morel; donde un fugitivo experimenta el tiempo no linear, padece extrañas enfermedades y comparte el espacio con fantasmas. En La balsa de piedra, el escritor José Saramago no se inventa ninguna isla, pero transforma la Península Ibérica en una al desgarrarla del Continente Europeo y dejar que España y Portugal naveguen libremente por el Océano Atlántico. Verde menta claro entremezcla el valor simbólico y la realidad geográfica de la isla, presentando una narración ficticia sobre una isla-jardín flotante que sirve de refugio para un nómada urbano. Verde Menta Claro surge en la cumbre de la investigación que llevo desarrollando durante los últimos cuatro años sobre el nomadismo contemporáneo, la transitoriedad como espacio de resistencia y la construcción de islas con cimientos inestables como alegoría de la conceptualización del espacio desde el deseo y la desidentificación.
La sacralización de la ausencia y el espacio vacío en la muestra "Una cierta oscuridad"
Reseña sobre Una cierta oscuridad, proyecto curatorial de Alexandra Laudo (Barcelona, 1978), que sitúa en un interesante plano discursivo algunas de las obras de la colección “La Caixa”, siendo probablemente la propuesta misma de la curadora la que impulsa con mayor intensidad a cuestionarnos sobre la realidad de las imágenes en la actualidad y el interés que suscita su ocultación.
Derechos de autor 2018 Gonzalo Rodríguez Gómez
Cómo mostrar lo inmaterial. El caso de la exhibición Arde! Arte de acción colectiva a 10 años del 19 y 20
El presente trabajo analizará la exhibición Arde! Arte de acción colectiva a 10 años del 19 y 20, realizada en el Centro Cultural de la Cooperación Florean Gorrini en 2011. La muestra presentó algunas de las acciones del colectivo Arde! Arte, que funcionó desde 2001 hasta 2006. Se pretende acercarse a la problemática de cómo mostrar producciones de carácter inmaterial, a partir de estudiar las estrategias utilizadas en la muestra. Se describirá el período en el cual se desarrollaron las obras –desde el Argentinazo en 2001 hasta la disolución del colectivo en 2006– y se detallará la espacialidad de la exhibición para reflexionar respecto de sus modos de exponer lo inmaterial. Se utilizará una metodología interdisciplinar: la filosofía y la historia del arte se utilizarán para analizar la cuestión de la relación entre arte y política y el desarrollo artístico en el espacio público; la historia, la sociología y la economía servirán para describir el contexto de la crisis de 2001. Los estudios curatoriales y la teoría del arte presentarán algunas características del colectivo y de la exhibición; y los estudios visuales permitirán encontrar pautas que habiliten hablar de la exhibición como organismos vivos, generadores de vivencias y de conocimiento.
Comisariar los afectos: propuestas contrahegemónicas en tiempos del "capitalismo afectivo"
Desde hace más de una década, lo afectivo como paradigma crítico y objeto de análisis se ha convertido en inexcusable desde múltiples ámbitos de estudio. Inicialmente vinculados con el análisis socio-político del “capitalismo afectivo” neoliberal, su influencia alcanza los análisis humanísticos y el papel que pueden jugar como mediadores críticos en procesos curatoriales. Este papel supera la propia materialidad de la exposición y es especialmente útil en propuestas en las que los proyectos se organizan en torno a encuentros, mediaciones o redes, cuya finalidad no tiene que ver con la exhibición de “obras” sino con vehicular —aunque sea por medio de estas— experiencias y relaciones, con cohesionar o discutir propuestas y comunidades y con cuestionar relatos impuestos e historias “perdidas”. Esta gestión afectiva cobra especial importancia en casos como los propuestos como objeto final del análisis, no en vano frecuentemente denominados institucionalmente como “afectivo-sexualmente diversos”. Desde las propuestas queer es posible extraer algunas posibilidades afectivas como fórmulas críticas contrahegemónicas, tanto por su posición inicial como por las dinámicas que movilizan, tanto durante su planteamiento como en relación con los distintos participantes, posibilitando la subversión de ciertas formas fuertemente enraizadas en las lógicas institucionalizadas de los ámbitos de la creación y la exposición.
Derechos de autor 2018 Julio Pérez Manzanares
Bordear la exposición, desconcertar el presente: Una aproximación a la práctica curatorial ante el devenir imperceptible del acontecimiento artístico
Este artículo explora problemáticas relativas a la exposición como medio y formato definido y a los actos de selección y mediación efectuados por el comisario/a, al hilo de las especificidades de una serie de propuestas artísticas no siempre discernibles como configuración estética. En ellas su compromiso con la mínima manifestación de la forma perceptible, su lógica eminentemente procesual y una generalizada reticencia a la conceptualización del discurso comportan un natural grado de resistencia al hecho expositivo y a la articulación de una narrativa o un enfoque teórico a los que la práctica curatorial ha tendido tradicionalmente a responder. Algunas de las implicaciones más relevantes de este tipo de gestos serán puestas en relación con la necesidad de pensar formas alternativas de presentación. Estas, sujetas a otros ritmos y temporalidades, a otros enfoques en torno a la acción o su ausencia, permiten experimentar vivencias y relaciones normalmente sepultadas por el peso de lo histórico, lo biográfico o el concepto, así como por el protagonismo que se otorga a la voz del comisario/a en la construcción de la experiencia expositiva.
Derechos de autor 2018 Amaya Sánchez Sampedro
En esta reflexión, en lugar de “comisariar lo inmaterial” como ejercicio con el que detectar y problematizar las dificultades presentes para manejar todo aquello que constantemente producimos, tomo “comisariar lo inmaterial” como una oportunidad para explorar y transgredir las limitaciones que la noción moderna de producción ha impuesto. Para ello, retomo la advertencia de Foucault “lo que está en juego es la vida” como tensión fundamental desde la que plantear la constitución de nuevos imaginarios artísticos que sirvan de transición hacia nuevas políticas de la existencia. Propondré un compromiso curatorial con la organización de lo que está por venir, a pesar o más allá de lo que nos haya precedido. La pregunta curatorial de partida será esta tomada de Agamben en su libro Homo Sacer: “¿Cómo es posible politizar la dulzura natural de la zõé? Y sobre todo, ¿tiene esta verdaderamente necesidad de ser politizada o bien lo político está ya contenido como su núcleo más precioso?.
La digitalización de la información y su circulación en espiral por Internet han transformado radicalmente los métodos de trabajo en museos, estudios y prácticas culturales. Hoy día, las visitas a museos e instituciones culturales pasan por la actualización y resignificación de la colección y la obra de arte en relación con las y los visitantes, replanteando la labor del comisariado y su extensión a entornos mediales digitales. En el desplazamiento del objeto material al sujeto digital, las prácticas comisariales adoptan formas y códigos donde lo festivo parece actuar como el medio idóneo hacia un nuevo paradigma. Este proceso global de festivalización de la cultura se ha venido desarrollando desde mediados de los años 90 en sociedades urbanas y neoliberales donde el ocio, el consumo y las experiencias extraordinarias resultan particularmente relevantes en la construcción de la identidad individual y la generación de micro-comunidades. Cabría preguntarse, entonces, qué requieren estas prácticas de nuevo, de desconocido, qué temporalidad las delimita, cómo son sus espacios y, especialmente, qué relaciones establecen con sus públicos. Este texto propone el proyecto OKAY CONFIANCE de la artista francesa Anne Lise Le Gac como ejemplo de posibilidad abierta frente a este fenómeno.
Derechos de autor 2018 Desirée Vidal Juncal
Derechos de autor 2017 Cabello/Carceller
Musealización de las prácticas artísticas contemporáneas. Colecciones y archivos: nuevas estrategias para su gestión, promoción y difusión
La sucesión de movimientos y prácticas artísticas desde la segunda mitad del siglo pasado deja un conjunto de creaciones cuyas producciones han abandonado el territorio de lo objetual y lo tangible. A la dificultad intrínseca para su coleccionismo y musealización, se suma la complejidad de estas nuevas propuestas desarrolladas por los artistas durante este periodo, quienes han expandido la idea de arte hasta límites que desbordan los escenarios tradicionales, poniendo en cuestionamiento y modificando de manera sustancial la mayoría de los paradigmas sobre los que se sustentaba. Nos enfrentamos pues a un nuevo e inédito escenario que reclama otro tipo de relación con aquello que tratamos de seguir denominando “obra de arte”, exigiendo nuevos análisis, nuevas metodologías para su estudio, difusión y divulgación. Dentro de esta compleja situación hay que situar la posibilidad de coleccionar estas nuevas producciones. El conjunto de las mismas constituye un valioso patrimonio que, por sí mismo, describe una época –la manera en la que vivíamos, pensábamos e interactuábamos con la realidad. El museo fue inventado para cumplir esta función: dar acceso público al relato que constituye toda colección artística. Ahora surge la necesidad de repensarlo para que pueda seguir cumpliendo esta importante función.
Derechos de autor 2017 José Ramón Alcalá Mellado
Boris Groys. Arte en flujo. Ensayos sobre la evanescencia del presente
Conversación entre Eulàlia Valldosera y Amparo Lozano
Eulàlia Valldosera (1963) es una artista española que trabaja con distintos medios como la performance, la instalación y el vídeo. A través de ellos reflexiona en torno al cuerpo femenino, la cotidianeidad y la intimidad. En esta conversación que tuvo lugar en octubre de 2016 con la crítica y comisaria de exposiciones Amparo Lozano, conversa sobre su trayectoria artística, centrándose en sus proyectos performativos y expresando sus opiniones sobre otros temas como el contexto español después de la Transición y el panorama del arte contemporáneo.
El trabajo in situ realizado por Daniel Buren en los años sesenta y setenta examina los marcos de sentido que están ligados a unos determinados modos de producción, distribución, conservación y exposición del arte y son dominantes en la institución, pero están enmascarados por ella. La literalidad es el procedimiento habitual de su modo de intervenir específicamente en contextos arquitectónicos o urbanos y espacios simbólicos concretos de la institución arte. En este texto vamos a detenernos en algunas de las aportaciones práctico-teóricas del trabajo temprano de crítica institucional de este artista francés con el fin de reflexionar acerca del señalamiento y erosión del coleccionismo tradicional que realizan. Creemos que es un buen lugar desde el que continuar pensando a día de hoy en una nueva práctica del coleccionismo.
Documentando dilemas. Sobre la relevancia de los casos éticamente ambiguos
Este artículo sostiene que la documentación proporciona un mejor servicio a la conservación de arte contemporáneo cuando no solo recopila y registra información sobre las obras, sino que también recoge los dilemas a los que los conservadores han tenido que enfrentarse al tomar decisiones sobre sus estrategias de conservación. La razón es que, en las últimas dos décadas, una práctica cada vez más reflexiva ha favorecido una situación en la que están emergiendo nuevos paradigmas éticos que sirven para diferentes tipos de trabajos artísticos y sus diferentes lógicas de perpetuación. El artículo propone tres paradigmas diferentes con sus correspondientes casos paradigmáticos, argumentando que solo un método de deliberación ética “caso-a-caso” (ética casuística) servirá para articular una serie de principios y directrices adecuados a los más recientes paradigmas. Para posibilitar esta deliberación, se hace necesario documentar los dilemas éticos en la conservación. Además, la mayoría de los casos resultarán bastante conflictivos, dado que muchas obras de arte consisten en la unión heterogénea de objetos, ideas y prácticas, con sus propias lógicas diferenciadas de perpetuación, mientras otras se mueven entre distintas lógicas, o pasan de una lógica a otra en el transcurso de sus biografías. Por tanto, la documentación de los dilemas continuará siendo necesaria para facilitar un acercamiento casuístico a la hora de tomar decisiones con responsabilidad y desarrollar un cuerpo de experiencia profesional.
Derechos de autor 2017 Renée Van de Vall
Un modo de traducción: Las instalaciones-performance de Joan Jonas
Este artículo revisa las traducciones que Joan Jonas realiza en sus obras desde la performance a la instalación, mediante la focalización en un proyecto concreto que resulta crucial: Mirage, su performance de 1976 que fue convertida en una video-instalación multicanal. A lo largo de su carrera, Jonas desarrolló sus ideas a través de diferentes medios, cultivando transformaciones entre elementos que atravesaban las dos y tres dimensiones, imágenes tanto estáticas como dinámicas, y obras sobre las que volvía pasado el tiempo. Tal y como se introdujeron en el contexto de la retrospectiva de Jonas en el Stedelijk Museum de Amsterdam en 1994, las instalaciones-performance constituyen un componente relativamente novedoso en su matriz artística, pero no plantean una aproximación fundamentalmente diferente. Este artículo argumenta que, para reconocer esa continuidad, hay que apreciar las performances e instalaciones de Jonas no como algo dicotómico, sino más bien como integradas en una práctica coherente que acompasa sus preocupaciones artísticas multifacéticas. Al mismo tiempo, reconocer el nuevo énfasis que Jonas puso en la instalación durante una coyuntura histórica crucial en los años 90, sugiere una interpretación de su práctica como historiográfica, la configuración activa del legado de su obra para el futuro. Una mirada atenta muestra que las acciones de Jonas proponen una conceptualización de sus performances y de su relación potencial con otras formas artísticas —información vital de cara a unas historias ampliadas de la performance y a la integración de esta en las colecciones de museos—.
colección y conservación de la performance
Derechos de autor 2017 Robin K. Williams